风景写生水彩花卉(推荐几位擅长画花/静物的油画家把)

较早来到新西兰的画家中，最有才能的是W.霍奇斯。

A.厄尔也是较早遍游新西兰的艺术家。他曾在新南威尔

士定居了一段时间，1827～1828年又来到了新西兰的北

部。他的风景画和以毛利人为模特儿所作的习作，技巧

平乏，但十分合乎习俗，具有较高的历史价值。19世纪

的英国移民们带来了英国美术的光辉。移民中有许多有

才能的业余画家,他们多用水彩作画,旨趣十分古朴。在

风景画中，一些关于毛利人生活的作品，可以传达出真

实的情感，淡淡的乡愁和对新土地的敬畏感。W.福克斯

既是一位政治家和殖民地的总督，也是一个绅士风度的

业余画家，画有大量有关他生活的素描和一些精美的水

彩画。W.斯温森画了一系列感受性强的风景和丛林习作，

经常强调人在大自然之前显得卑微的寓意。J.金德的水

彩画，把脑海中所影印的平淡、井然有序的英国风景移

植到殖民地的风景之中。值得注意的是开始接受本土艺

术传统的画家J.A.吉尔菲兰和C.希菲。吉尔菲兰的素描

册(现藏达尼丁的霍肯图书馆)十分出色，其中插图异常

生动。他们对毛利人美术传统的发现，拓宽了作品的领

域，为自己艺术灌注了新的生命力。吉尔菲兰以毛利人

为模特儿连续画了各种不同姿态的素描，精心之作《一

个土人村庄的内景》反映了封闭、群居，但充满活力的

毛利人社会。希菲也画毛利人，他是新西兰风景优秀的

阐释者，最有观察力的人之一。他画新西兰，不只把它

视为一个广阔和空旷的国土，而是力图描绘出它的独特

性。可惜吉尔菲兰和希菲没有发展传统，也没有留下追

随者。19世纪后期的一些业余画家，用英国浪漫主义风

格来表现新西兰，出色地解决了前人在风景画中没有解

决的技巧问题。他们利用闲暇时间作旅行写生，不知疲

倦地寻找风景区和大自然雄伟的奇观。由于他们洞察了

新西兰风景的内在构造，他们的风景画，色彩柔和谐美、

生动自然，给人深刻的印象。

19世纪后半叶，美术机构和美术学院的建立，定期

举办美术展览会，艺术家地位的提高，使得职业画家的

生存成为可能。职业画家最早并非出生于新西兰。19世

纪90年代前期，3名欧洲有经验的画家来到了新西兰,P.

van der韦尔登定居在克赖斯特彻奇,J.奈恩定居在惠灵

顿，G.P.纳利在达尼丁教了一阵书后，移往奥克兰。他

们全是职业画家，并且多才多艺。他们带给新西兰令人

兴奋的新颖风格，新西兰也带给他们异域的美，从而形

成了新的传统。纳利以肖像画著名，韦尔登擅长荷兰风

格的风俗画和风景画，奈恩则表现出类似于印象主义早

期风格的田园景致和肖像画。他们的作品十分逼真，对

新西兰美术产生了深刻的影响，促进了新西兰19世纪末

美术的发展。

20世纪初新西兰的美术变得更加丰富和多样化。新

西兰的画家逐渐走向成熟，其中，A.W.沃尔森继续用水

彩制作传统的风景画、海景和当地的灌木丛。M.O.斯托

达特作为一名风景画家和静物画家在基督堂市享有崇高

的声誉。R.麦克尔泰尔和O.莫顿的艺术对大都市产生过

震动。一位名叫F.霍金斯的女画家，精通各门画种，多

才多艺，被誉为“传统主义者、现代主义者、新西兰民

族主义者”，是新西兰殖民地时期绘画中最杰出的代表。

1952年，新西兰政府任命一名专职教授，管理奥克

兰美术馆，并采取了一系列有力的政策推动美术事业。

1963年以英国为模式建立了伊丽莎白二世艺术委员会，

编纂了政府对视觉美术和有关活动的纲领性文献，还规

定了国家资助艺术事业的标准。一批有成就的画家开始

涌现出来。T.A.麦科马克虽没出水彩画的范围，但他的

风景画和花卉画却受到人们的称赞。J.威克斯是一位粗

犷、喜爱冒险的艺术家，他旅欧归来，广泛地与艺术鉴

赏界为伍，在最令人喜欢的静物画和风景画中作出了突

出的贡献。油画家M.T.伍拉斯顿和C.麦卡恩毅然地打破

风景画和人物画中一般的陈规，经常在宽大的尺幅上作

画，追求独立的线条。因为上述 4人几乎在新西兰渡过

了一生，作为酬谢他们艺术的成就，政府曾为他们举办

艺术回顾展。在更年轻的一代人中，值得提及的是成长

中、相当数量的毛利人画家，他们的艺术也应归于本土

艺术的发展。

国画和水彩画的特性，区别是什么

徐咏菊

徐咏菊，著名画家，专业从事艺术教学和艺术创作。1979年毕业于山东省临沂教育学院美术系，1989年入曲阜师范大学国画系，后入中央美术学院进修。现为日照师范美术专业副教授。

中文名：徐咏菊

职业：画家

毕业院校：山东省临沂教育学院

代表作品：《雨后》《报春》《瑞雪兆丰年》《花卉图案大全》

个人简介

概述

擅长领域涉及国画、装饰画、卡通设计、剪纸等专业图案设计方面。

她所创作的图案，造型独特，美观实用。所设计的上万幅实用花卉图案，遍及生活的各个角落。特别近年来，她为商业美术、图书装帧、壁画、雕塑、服装设计、环艺设计、工业设计、动画、服装及纺织、刺绣等方面作出了较大的贡献。

如花卉图案《雪梅图》被海尔集团空调作为名牌商标所应用。服饰图案纹样应用于杭州美彩制衣厂，给数家企业的经济发展带来了勃勃生机。

成就

中国画《雨后》入选当代书画家图库。《报春》《瑞雪兆丰年》载入世界美术家全集。《蒙山卧龙图》载入中国山水名家画集。《水彩风景》载入中国当代书画名家全集，写生长卷《尹家河风光》入选2002年山东省首届中国画双年展。《现代风景装饰画》百米卷入选中国装饰画精品展。2002山东科教台播出《咏菊与丹青》，专题介绍了徐咏菊的绘画艺术。2000年日照电视台专题播出徐咏菊《现代装饰画艺术》，2007年受中央电视台特邀，接受“财富人生”栏目采访了徐咏菊绘画成功之路专题报道。

徐咏菊是中国目前出书最多、最为畅销、最具实用、最受读者欢迎的全能女画家。先后出版美术专著70余部。其中人民美术出版社的《师范院校公共美术教程》被评为国家图书工程图书，由人民美术出版社发行于全国乡村书屋，并成为全国各大美术院校应用教程。《儿童学画卡通画》被评为儿童优秀图书。《实用装饰花卉》、《实用装饰鱼纹》、《实用装饰风景》等系列丛书被评为全国畅销图书。

《简笔画教程》入选为国家援藏图书，高考系列丛书《水粉画技巧》、《人物速写》、《风景装饰》、《花卉装饰》及《鱼纹装饰》、《怎样画水粉画》、《卡通动物5000例》等13部著作，获得山东省教育研究优秀成果一等奖。《国画小品集》、《水粉画步骤画法》、《新编报刊题图尾花集》、《幼儿看图学计算》四本图书曾获相应出版社“优秀畅销书”奖。

人民美术出版社出版

1、《风景装饰》(2000年)

2、《花卉装饰》(2003年)

3、《鱼纹装饰》(2003年)

4、《卡通动物5000例》(2004年)

5、《简笔画实用图库》(2005年)

6、《动物装饰》(2006年)

7、《师范院校公共美术教程》(2007年)

8、《龙凤图谱》(2007年)

9、《中外实用纹样装饰设计》（2011年）

北京工艺美术出版社出版

10、《实用刺绣图案》(2006年)

11、《实用动物装饰图案》(2006年)

12、《剪纸花边200例》(2007年)

13、《实用花卉百变图案》（2010年）

金盾出版社出版

14、《绘画图集——花卉》(2001年)

15、《绘画图集——人物》(2001年)

16、《绘画图集——动物》(2001年)

17、《儿童学画卡通画——人物》(2002年)

18、《儿童学画卡通画——动物》(2002年)

19、《儿童学画卡通画——禽鸟》(2002年)

20、《儿童学画卡通画——器具》(2002年)

21、《儿童学画卡通画——建筑》(2002年)

22、《儿童学画卡通画——交通工具》(2002年)

23、《家庭饰品绣花图案集》(2002年)

24、《中小学生剪纸图谱——动物》(2002年)

25、《中小学生剪纸图谱——花卉》(2002年)

26、《中小学生剪纸图谱——蝴蝶》(2002年)

27、《动物简笔画》(2004年)

28、《人物简笔画》(2004年)

29、《植物简笔画》(2004年)

30、《卡通动物百姿百态》(2004年)

31、《卡通动物图集》(2005年)

32、《怎样画水粉画》(2005年)

33、《现代风景装饰画》（2008年）

34、《唱出聪明大脑袋》（2008年）

35、《手绣、机绣、电脑绣花图样》(2008年)

36、《花边装饰图库》（2008年）

西南师范大学出版社出版

37、《师范生应用美术》(1998年)

五、河北美术出版社出版

38、《少年儿童图典》(2000年)

山东美术出版社出版

39、《实用美术资料手册》（1995年）

40、《中小学最新报头图案》(1996年)

41、《幼儿看图学数字》(1996年)

42、《幼儿看图学添画》(1996年)

43、《幼儿看图学涂色》（1996年）

44、《幼儿看图学语言》（1996年）

45、《黑白装饰画》(1997年)

天津美术出版社

46、《龙凤剪纸图案》（2009年）

47、《花卉图案大全》（2010年）

48、《刺绣图案大全》（2010年）

49、《龙凤图案大全》（2010年）

河南美术出版社

50、《十二生肖卡通图典》（2010年）

个人著作

荣誉

曾屡次接受省、市电台、电视台采访。在2007年8月还曾接受过中央人民广播电台“财富人生”栏目的专访，对个人的艺术成就做了报道。

其作品构图奇巧有新意，造型夸张生动有浓厚的装饰性。擅长领域涉及国画、装饰画、卡通、剪纸等方面。

作品

《花卉图案大全》作者：徐永菊出版社：天津美术出版时间：2009年01月

花卉装饰图案在生活中运用十分广泛，使用范围大大超过其它题材，成为最普及的艺术图案。随着商品经济的飞速发展，对装饰花卉图案的设计造型提出了更高的要求，本书旨在为不同设计领域提供参考性资料。

本书共三个部分，包括常用花卉图案，衬底纹样图案，花边纹样图案，介绍了1000余种全新花卉图案，各具特色，可供艺术专业读者参阅。

《动物简笔画》作者：徐咏菊出版社：金盾出版社出版时间：2004年05月简笔画是以概括、简练的线条描绘事物的绘画艺术。学习简笔画可以提高观察、分析与形象表达的能力，同素描一样，被视为绘画的基本功之一。

代表作品

分类: 文化/艺术 >> 书画美术

问题描述:

我儿子正在学绘画，学了一学期的水彩画，现在国画老师要他学国画，我不知如何是好？请专家给我指导。

解析:

水彩画的特点

水彩画是广为普及的一个画种，作为独立的绘画形式，其形成与发展经过了一定的历史过程，世界上第一幅水彩画是出自德国画家丢勒之手，但成为独立画种并兴盛、发展是在英国，至今已有三百年的历史了。

水彩画同其他画种一样，因为使用的工具、材料的不同，有其特长，也有其局限，从而形成了能

独立存在的艺术特点。

（一）工具性能

学习水彩画必须首先了解和熟悉水彩的工具性能，然后才能更好地掌握与运用它。

1、水彩颜料

水彩颜料色粒很细,与水溶解可显示其晶莹透明;把它一层层涂在白纸上,犹如透明的玻璃纸迭落之效果。水彩浅色不能覆盖底色，不象油画、水粉画颜料有较强的覆盖力。 水彩颜料的群青、赭石、土红等色属矿物性颜料，单独使用或与别的色相混都易出现沉淀现象，巧妙运用可产生新颖的效果。

2、画纸

水彩画用纸比较讲究，它对一幅画的效果影响很大，同样的技巧在不同的画纸上的效果是不大一样的。理想的水彩画纸，纸面白净，质地坚实，吸水性适度，着公后纸面比较来整，纸纹的粗细根据表现的需要和个人习惯选择。不要以为初学不管什么纸都可以作水彩练习，太薄的纸着色后高低不平，水色淤积，影响运笔；吸水太快的纸（如过滤纸），水色不易渗化，难以达到表现意图；太光滑的纸水色不易附着纸面，都不适合画水彩之用。应熟悉自己使用的画纸性能物点，善于巧妙地掌握它。

3、画笔

水彩画笔需有一定弹性和含水能力，油画笔太硬且含不住水分，不宜用来画水彩（但有时可以用来追求某种特殊的效果）。狼毫水彩笔、扁头水粉笔、国画白云笔、山水笔等都可用来画水彩。准备一支大号的涂大色块用，具体塑造与细节描绘有两三支中、小画笔即可。

(二）水彩画的特点

水彩画因工具材料的特性、技法与其他画种不同，形成自己的艺术特色，把水彩画比如轻音乐或抒情诗般的轻柔，是比较确切的。

一幅好的水彩画除去内容与感受情的表达深刻之外，给人的感觉是湿润流畅、晶莹透明、轻松活泼，此种感觉就是水彩画的特点。

水彩画之特点是与其他画种相比而言，油画的覆盖、厚涂形成厚重的特点，水彩颜料透明，又以薄涂保持其透明性，画面则有清沏透明之感受。用水调色，发挥水分的作用，灵活自然、滋润流畅、淋漓痛快、韵味无尽。

国画的特点

中国画一般特点

学习中国画，首先应了解中国画的特点是什么，所以这本书就先从这里谈起。

要想简明地用几句话回答以上的问题并不容易。传统的中国画具有悠久的历史，适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法和程式化的表现诸方面，都具有自己的特点，这些特点，也正是目前国画理论家正在讨论总结的问题。这里试举数点。

一、首重立意胸有成竹- -中国画的构思

中国画创作，以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物、还是画花鸟。

唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于"六法"的论述："夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似．皆本于大意而归乎用笔。"他认为立意在完．画中才能有变态、有奇意。

宋代以画梅花著名的华光和尚，法号仲仁，传为华光著作的《画梅指迷》中，有一段"画梅全决"， 开头就是"画梅全决，生意为先"。到了清代的方薰，著有《山静居画论》．在这里也强调了立意与作画之关系，他说："作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古"。他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的"立意"，所以作品平庸。

意人利文艺复八时期的画家达·芬奇，也有近似的近在他曾说："一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。"这与我国晋代人物画家顾消之所提出的"巧密于精思"是十分一致的。

"意"是从哪里来的？一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中形成了成熟的构思。

宋代画家文与可，别人称赞他"胸有成竹"，即在他没有落笔画竹之前，头脑中已经有了竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，这时便能落笔而就。"'胸有成竹"遂成为我国赞誉善于计划安排事情的成语。

在张彦远提出的"立意"之前，南产时代的谢赫即有'创意"、'明意"之说。创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多，在这一意义上讲作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要者，还要认真地加强练意之功。很多习画者，常常只是注意在练笔上下功夫，而忽略了练意，这是值得注意的。

二、以线造型以形传神——中国画的造型规律

中国画是以线存形的，通过线勾出轮廓、质感、体积来。德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画用光为造型手段之一。但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。法国的罗丹曾经强调过："一根规定的线通贯着大宇宙"，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。而中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型，巧妙地描绘着各种形象。

"以形写神"是晋代画家顾恺之的一句名言，从而确立了中国艺术神高于形的美学观。它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别，即画人不仅仅于形似．还要升高于神似，画出人的精神面貌，不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求之高度，在这一理论指导下，历代出现许多传神写照的佳作，成为指导绘画的一个重要准则。

三、多点透视 计白当黑——中国画的构图法则

中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白．也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要．伸长或缩短变化其形象，更换其位置。一株低于视平线的牡丹花．也可架高于祝平线之上，而取得透视的最佳效果。

中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑．即没有画面的部位要象有画面的部位一样作认真的推敲和处理。

四、随类赋彩色彩相和- -中国画的色彩法则

中国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。

五、情景相生气韵生动- -中国画的意境

中国画要求笔与墨合，情与景合、现实中无限丰富的景象，绘画家以强烈的形象感染力。画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的 *** ，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。

至于气韵生动，即是画家所创造的艺术灵境，不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，当然，就不能给予人这一些感受，而达不到中国画富有引人入胜的意境。

六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式

可以说只有中国画，才有题字盖印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。

题字和诗句，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也丰富了构附的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面作用。

中国画的工具和材料之性能，也决定着中国画的特色。中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨彩。宣纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果。同时形成了各种效法和描法，画法和笔法。

从写生到写意

国画在初学时以临摹作为入门的手段，逐渐地对物写生。再转而对物象写意，不仅粗笔的写意画是如此，就是细致的工笔画，也有其写意的成份。因为中国画在描绘物象时，不管是为工笔或为写意，其处理手法都带有写意性，不是简单复写一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所当繁，而简其所当简，对物象提炼加工的程度较高，不以光色外型的逼真为能事，着重于内在的认识。

根据董其昌的记载，好多著名的山水画家，都是以真山水为稿本进行创作的，如"李思训写海外山，马远夏圭写钱塘山，赵吴兴写营雪山，黄子久写海虞山"。当后人看这些画幅时，感到他们既是在写生，又是在写意；既师法于自然，又不为自然现象所困。拿黄子久的《富春山居图》来看，作者取材于富春山，并不就是富春山的环境地理图，他表现的是黄子久理想化了的境界。

由此说明古代画家对自然界各种物象是如何认识并表现出来，使真实物变为艺术形象，并且逐渐使之规律化、程式化，同时可以看出他们丰富的表现技法。

对照《芥子国画传》及其它画谱，再对照历代画家对这一程式的运用，读者便可以摸到从自然生态变为国画中的艺术形态，如何加工和概括的过程。从中也可理解到从写生到写意的处理加工手法，从技法上掌握中国画的造型特点。

主题突出

明代汪珂玉在《珊瑚纲》中说："古人作画，皆有深意，运思落笔，莫不各有所主"。"所主"也即是主题。主题突出，是艺术创作中的一个共性。一个主题思想形成了，便可决定用何题材去表现，再决定素材之选择，以至确定下作品的标题，采用什么样的表现方法，都要取决于主题表现的是什么。象唐代阎立本的名作《萧翼赚兰亭图》（传），这个故事的曲折情节很多，但阎立本选取的是萧翼的意在"有意、机诈和骗诱"和辩才的出于"无心、善良和受骗"两个典型情节，以突出画中的主题。主题突出在"赚"字上，其他的细节则盯以减略或概括，这是完全符合《法书要录》上对这一事实所作的记述。

在国画创作中，发现了好的题材，并不等手都能突出主题。如只求人物之生动刻划，或求画面之丰富变化，或者平铺直叙，均不能算是突出主题。作者只有从国画艺术的特有规律和表现手法来考虑应该突出什么，要善于按国画形式概括题材，确定主题，把人物的刻划，细节的组织，都用来烘托主题，使观者从画面上叮以不加解释的领会到作画者的意图何在。所以郭熙认为?quot;作画先命题为上品，无题便不成画"。

主题明确了还应给作品取个最恰当的题名，大多数情况下还要题在画面之上。标题要言简意赅，寓有深意，也可以直接地揭示出主题，也可以暗示出主题的含意，以取得画龙点睛之妙。

积累素材

文艺工作者都需要在生活中积累大量的素材。文学家使用的是文字，画家有时也用文字，但主要的是用画笔写生。在画家接触自然界的风景、花卉和人物时，要经常以速写为记录，把观察到的实物用画笔随时收集。象画家齐白石，对于各种小生。的生理结构，都有非常细致的观察和了解，这样做下去，也锻炼了美术工作者观察生活和造型的能力。

鲁迅先生提到过，"作者必须天天到外面或室内练习速写，才有进步。到外面去速写，是最有益的"。

从生活中记录下来的原始材料，如同开采到的矿石，也象是活水的源头，有无限的生动和丰富，比之于拍照片，抄画报得来的素材，亲切而深刻。在深入探索自然风光和人物的实践中，积累大量素材，同时构思新的画题，会引起无穷通思。

题材 体裁

题材不同于素材，素材是未经冶炼的矿石，题材则是从大量的素材中．经过淘沙炼金找出的最适于表达某一主题的材料。如果对素材的选取不精，会使所要表达的内容，失去鲜明性和典型性。

用一个通俗的比喻来解释体裁，好比是量体裁衣，根据不同的体型，来剪裁不同的款式。比如一面大的壁画制作，用一幅小的册页体裁就不适当。又如前面提到的《萧翼赚兰亭》，用人物画的体裁就比较好，而《长江万里图》，当然是用山水画的长卷形式为佳。而各种咏梅的诗意画，则用花卉惊现口为贴切。

在人物、山水、花卉诸种形式和体裁中又分有工笔、写意、重彩、水墨等等的不同。作者当确定画的主题之后，都应从内容出发，跟着就要考虑所要使用的体裁。诸如长幅还是短幅，是用大场面还是用特写之笔。

两个基本功

一、中国画在其形成过程中，有许多的传统表现手法，掌握这些方法，一个经常使用的办法，是；陵墓前人作品和老师的画稿。副脚七画家王石谷，临摹宋元各大家，都有相当造诣，经数十年的临摹和体验，他才感到对青山绿水有了充分的把握，这一点在临摹一章里还要细谈。

二、生活中的丰富环境，是画家最活的画本，画家应在生活中不停地磨练自己，国画家常讲求以造化为师，只有从这个丰富的宝藏中，才能开发出艺术的瑰宝，得到自然界的启示，收集广泛的素材。

两个基本功相辅而行，不可或缺，只临摹前人的稿本，日子长了，失去独自创造的能力，如果只靠写生的东西，则常常失去传统的笔致。

在画家具有了很好的国画临摹基础之后，生活则是最重要的了。清代画家石涛说"笔非生活不神"，关在屋子里瞑思苦想不行，缺点在于离开自己亲自收集来的形象，对人物的性格、精神面貌全无所知，这种形象就会概念化。反之，你在生活中画下最熟悉的人物，一闭上眼，人的精神气质、音容笑貌、都会不呼自出，就会生动得多。

就拿画人来说吧，工人和农民，虽然都是劳动者，而从个性和气质都不相同，这些就需要在生活中默默的研磨才能脱颖而出。画山水花鸟，也同样离不开实地旅行写生和体验。当然作为一个艺术工作者，除了笔墨和生活基础之外，对于人品道德的修养，尤其不可忽视。过去人们常讲的书如其人或者说画如其人，即指一个画家的人品和修养，常常自然流露于笔端。

清，王星在《东庄论画》一书中徽“学画者先贵立品”。清，沈宗春在《齐舟学画编》中说：“笔格之高下，亦如人品”，“心画形而人之邪正分焉”。都足以说明，书画评论家，对画家的艺术水平高低之外，还要全面的分析画家人品道德，只有那品艺仅高的画家才值得人们学习和尊重。